剛剛拿下法國年度時裝大獎ANDAM Fashion Award 的最佳時尚配件獎，Stephanie D’heygere 這位年輕新進的設計師於今年一月巴黎時裝周首度發表自身同名品牌的初系列。2009年畢業於安特列普皇家藝術學院，Stephanie D’heygere 曾在Maison Martin Margiela、Christian Dior 擔任珠寶設計師，也曾任職於Y/Project 並持續合作至今。D’heygere 喜歡把一般日常生活中的物件改造並賦以大膽的摩登現代風格，將其帶入高級飾品配件的層級領域。 在巴黎的第四區，瑪萊和盧森堡公園間的小島上，有一個天天販售各種季節性異國情調的鮮花市場，Stephanie D’heygere就在此如同溫室般的建築物裡推出了她的同名配飾品牌。花是D’heygere 的品牌核心，第一個系列命名為「花店」。喜歡買鮮花的D’heygere 表示：「我一直在想，如果我能去花店買一朵花來搭配我的衣服，會有多酷？」然而對於過去服務的品牌客戶來說，這似乎從來都不是一個適當的想法，直到創立自己的品牌才能將這個人私藏的點子付諸實現。 被視為品牌象徵設計的圓形金屬大耳環，特殊的造型讓中間部分能夠乘載小物品，因此提供了配戴者自由發揮的空間，根據當天不同的心情、穿著模式、自身個性等等改放不同的物件，例如品牌形象當中所示範，可以放置花卉去參加婚禮、又或是放置香菸完成夜晚的酒吧造型，所謂的配件就應該為裝飾服裝穿著所服務，但選用D’heygere 的飾品你更能夠進一步地為配件進行裝飾！ 在花店般的擺設層架上除了飾品之外，可以看到D’heygere各種配件作品：一系列的小型皮包，靈感來自於牛仔褲口袋及太陽眼鏡；樣貌彷彿毛衣袖環繞身體的腰包款式、半透明的皮帶、可以同時當作頸鍊的手套等等，造型怪誕又充滿玩趣概念，這位比利時出身在巴黎嶄露頭角的飾品配件設計師，將生活物件藝術化的創作手法為時尚配件開啟一道新天地。∞ 【完整內容請見eyemag vol.35 / 2018年秋季號】

當世人談論影響當代甚鉅的女藝術家，來自墨西哥Frida 肯定是不會被遺漏的名字，她讓身體上的病痛，透過畫筆成為揮灑烈愛的畫作；她將帶有悲劇色彩的波瀾一生，活成了一部傳奇；獨特如她，能將自身殘疾當作裝扮之一，並以一字濃眉、辮子、繁花頭飾、鮮豔服裝建立鮮明形象，讓她成為帶給時尚界靈感、甚至是設計師們致敬的繆思，直至她逝世六十幾年後的今天，仍吸引英國Victoria and Albert Museum 近日為她策劃個人特展『Frida Kahlo Making Her Self Up』，自 2018 年6月16 日展出至11 月4 日。 能在今日依舊被視為指標性人物，Frida Kahlo 的魅力來自於她被現實砥礪出的過人意志，細數她波折、卻更活出自我的人生—六歲時患上小兒麻痺症，十八歲時發生幾乎致命的車禍事故、與Diego Rivera 離婚又復婚的情感糾葛、多次手術的折磨與惡化的病情⋯，這些宛若劇本般多舛的經歷，Frida Kahlo 誠實且堅強地面對著，不被身體與心靈上的苦痛所禁錮，她透過繪畫重生，成就一幅幅帶有視覺衝擊的藝術創作，她甚至在車禍後穿戴的矯形工具上作畫，並親自設計綴有蕾絲裝飾的義肢，讓揭示著Frida Kahlo 苦難的畫作與器具，一如她的本人，痛而美麗著。 此次於Victoria and Albert Museum舉辦的『Frida Kahlo Making Her Self Up』，囊括超過200 件Firda Kahlo 的個人物品、畫作、照片，以及私人信件、珠寶、服飾、彩妝、藥品、脊椎支架與義肢等等，皆是首次在墨西哥以外地方面世的珍貴展品。值得一提的是，這些物品在1954 年Frida Kahlo 逝世後，直到2004 年公開之前，一直被Diego Rivera 鎖在兩人位於墨西哥近郊的Blue House 裡長達五十年之久，此次飄洋過海來到V&A 博物館展出更顯難得與珍貴。 「這是確切的證據，證實著Kahlo 如何建構起她自己的身份。」策展人Claire Wilcox 如此形容此回展覽的展出品，在Wilcox 眼中，Frida Kahlo 似乎有種永恆的吸引力，每個新世代都能受到她的啟發，而隨著『Frida Kahlo Making [...]

人們追求時尚，除了為表面上的美感所迷惑，同樣讓人醉心的還有背後的設計底蘊，以及為人們提供盡情做夢的途徑，一如設計師Alexander McQueen 所說：「時尚可以被當作一種逃離現實的途徑。」這樣一處得以開拓無邊無際想像的烏托邦，更體現在時尚攝影當中，透過人物、場景與服裝相互結合及碰撞的火花，在攝影師的鏡頭中所併發，成為最直觀也最為人懾服的視覺語言。 位於美國加州聖莫尼卡山的J. Paul Getty Museum，為Getty 家族斥資13 億美元建造的藝術博物館，於2018 年6 月26 日至10 月21 日舉辦的『Icons of Style: A Century of Fashion Photography, 1911-2011』展覽，便是一次為現代時尚攝影豐富多彩的歷史所進行的完整回顧，從20 世紀初出版的首批時尚圖像，到今日因為社群媒體普及的數位影像，皆是此回展覽的目光所及之處，透過這些攝影師作品與職業生涯的解析，探究時尚攝影的演變歷程。 展覽以1911 年這個關鍵時刻作為開端，當時美國攝影師Edward Steichen 為法國出版商Lucien Vogel 所拍攝的一系列影像，成為有史以來首次印刷的現代時尚照片，在此之前，大眾所熟悉的時尚圖像為手繪插圖，因此Edward Steichen 及首位《Vogue》全職時尚攝影師Baron Adolf de Meyer 的出現，被視作現代時尚攝影的轉折點，為其創造了基礎。 大蕭條和第二次世界大戰期間，時尚攝影揭示了時裝在政治與經濟影響下的變化，時尚雜誌在大蕭條時期持續強調奢華和魅力，藉以擺脫當時的嚴酷環境，直到二戰配給制度下，人們衣著變得簡單、使用更少布料，促使時尚攝影師採用相對克制的表現方式。二戰後正式開啟了時尚攝影的黃金時代，時裝界因為Cristóbal Balenciaga 和Christian Dior 等大師重新蓬勃發展，並透過Richard Avedon 和Irving Penn 等攝影師的鏡頭，讓這些設計師的優雅連衣裙進入人們生活，他們藉由場景和模特兒的動作，創作出更具吸引力的視覺影像，Avedon 在此時期為Dior 留下的New Look 經典畫面以及Penn 為《Vogue》拍攝的第一個黑白封面，都是此次展覽相當受矚目的作品。 1960 年代和1970 年代催生的青年文化、性革命及後來的女性解放運動，皆為時尚攝影帶來重大影響，William Klein 手持35 毫米相機走上街頭，在城市景觀中拍攝的影像自此改變時尚攝影；Guy [...]